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对于艺术家是干什么的

导读:艺术家是干什么的
艺术家是干什么的目前东西方艺术教育存在各自的理由,理由的表现形式看上去不同,可其理由是相同的:都是由学院体系认知的程式化导致的。由于教学内容必须是具体的、可量化的东西,“技法”、“形式”容易说清楚,但艺术的核心部分难以量化。所以,学院派最容易陷入孤立地研究艺术形式和手法的教条中,把艺术研究局限在量化的形式、材料中,导致难以从根本上抓住艺术的核心理由。
  我曾在欧美多家艺术学院演讲,经常与研究生进行讨论。现在世界各地的很多年轻人都来纽约发展,我从这些毕业生的作品和他们的困惑中,看到了西方艺术教育的理由—偏颇地强调创造性。
  对于艺术创作来说,创造性思维的培养无疑是重要的,但理由的关键是,现在某些学院的教学把创造性思维的获得嵌入到一种简单的模式中,而不是从根本上进行探索。事实上,创造性的获得虽有规律可循,但它的发生又相当“个案”。一味地对学生强调创造性,但教给他们对待创造性的态度和渠道却是相似的,结果使学生充满了创造性的愿望,却只能拥挤在只为“创造性”而创造的窄路上。由于思维策略相似,自然,创造的结果也都雷同,这反而损坏了学生本来就有的一部分创造性。
  再从西方具体教学策略的弊病来分析,他们过于强调对作品的解说能力。比如,学生必须说出创造形象的理由、受影响的来源等。这里面有个非常大的悖论,即视觉艺术最有价值的部分是不能用语言表述的,正因为有些事情用语言永远不能解说,所以才有艺术。最有价值的艺术创造难以在解说中找到合适的上下文。若教师强行把学生的思维嵌入艺术史的模式中,将使学生对作品本身不负责任,而对解说的效果特别看重。所以,通过这种策略获得的不是艺术创造本身,而是为艺术辩解的能力,它将导致艺术学院的毕业生都会做一种能自圆其说的、标准的,当然也是简单的现代艺术。就像我们的毕业生一样,都有一手娴熟的绘画技能。
  这种弊病是如何形成的呢?西方艺术是以艺术史写作的框架和策略为目标的。西方艺术史的基本态度是,记录那些对艺术史有明显的形式转变的艺术家及其作品(那些有明显可阐释性的作品)。艺术家以此为目标,创作动力却与创造性本身无关。另一个客观理由是,在北美,成功的艺术家不需要在学院任教,在学院的艺术家,大部分又是在主流体系中不具备成功经验的人,他们怎么能给学生有效的引导呢?
  中国的当代艺术教育,优劣当然也是交织在一起的。比如,我们的艺术教育与传统没有明显断裂,这是长处;但传统与新型社会形态需求的差距理由并没有解决。学生的学习有相对明确的标准和根据,但这套成熟的体系只偏重技能的传授,学生直到毕业,也没有把艺术的道理、艺术是怎么回事搞清楚。具体说就是:艺术家究竟是干什么的?他与社会、文化之间的关系是怎样的?他与社会构成一种怎样的交换关系?
  现在的艺术教育中,一部分先生讲艺术史论,另外一部分教技巧,但我总感觉缺少一个中间环节—没有人讲两者间的关系和其中的道理。一个学生如果弄懂了这个道理,他在
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